Jinwon(이하: J): 한국 독자들에게 자신을 소개해 주세요. 오늘날 ‘Antoha MC’라는 이름은 당신에게 어떤 의미이며, 그것이 당신의 창작 정체성을 어떻게 반영하고 있나요?
Anton(이하: A): 안녕하세요, 대한민국에 계신 소중한 분들. 반갑습니다. 살면서 처음으로 여러분과 대화를 나눌 기회가 생겼네요. 제 이야기를 전하고 음악적 생각, 모스크바에 살아 숨 쉬는 소리의 감각을 나눌 수 있어 기쁩니다.
7년 전, 저는 서울에 머물며 도시 페스티벌에 참여한 적이 있습니다. 도시 곳곳의 클럽에서 공연이 열렸고, 저도 그중 한 무대에 오를 수 있었습니다.
제 음악은 Antoha MC라는 이름으로 찾아보실 수 있습니다. ’Antoha(Антоха)’는 제 본명 Anton(Антон)의 구어체 애칭입니다. 어미 ‘-ha’가 더해지면서 좀 더 가볍고 친근한 느낌이 살아납니다. ‘MC’는 ‘master of ceremonies’의 약자로, 공연과 음악적 의식을 이끄는 사람을 뜻합니다.
제 창작 정체성은 자작 음악과 가사, 보컬 작업, 트럼펫 연주, 그리고 댄스로 이루어져 있습니다. 이 모든 것은 소리와 움직임을 통해 사람들과 같은 언어로 이야기를 나누는 방식입니다.
J: 당신의 음악은 종종 ‘따뜻하고’ ’홈메이드(homemade)’한 느낌으로 묘사됩니다. 힙합 그루브와 매우 개인적이고 솔직한 전달 방식의 조합이라고 할까요. 이 고유한 스타일에 어떻게 이르렀나요? 당신의 접근 방식을 형성한 초기 영향들은 무엇이었나요?
A: 음악에 대한 관심은 아주 어릴 때부터 시작됐습니다. 여덟 살 무렵, 아버지의 커다란 헤드폰으로 음악을 듣는 것을 좋아했는데, 그 경험이 제게 매우 강렬한 인상을 남겼습니다. 당시 음악은 제 여러 취미들과 함께였습니다. 그림을 그리고, 컴퓨터 게임을 자주 했어요. 좋아했던 게임 중 하나는 Doom이었고, 사운드트랙만큼은 ‘BG: Dedushki’라는 게임이 최고라고 생각했습니다. 아버지에게 Photoshop 사용법도 배웠습니다.
몇 시간이고 컴퓨터 앞에 앉아 무언가를 만들고 그림을 그리면서 음악을 들었습니다. 힙합과 그루브에 대한 관심은 상당 부분 댄스를 통해 왔습니다. 당시 제게 큰 발견이었던 것은 오르갈리트였습니다. 신발이 아주 잘 미끄러지는 건축용 판재인데, 저는 부모님 방에 그 판들을 깔고 브레이크댄스를 배우려 애썼습니다. 머리로 서고, 한 손으로 돌고.
>아마도 이런 인상들 — 음악, 움직임, 게임, 시각적 환경 — 이 차곡차곡 쌓이면서 오늘날 ‘따뜻하고 홈메이드하다’고 불리는 사운드가 자연스럽게 형성된 것 같습니다. 저에게 그것은 그저 소리를 통해 감정을 전하는 자연스러운 방식일 뿐입니다.
J: 솔로 아티스트로도, 협업 형태로도 활동하고 계십니다. 두 경우에 창작 과정이 어떻게 다른가요? 공동 작업이 자신의 음악을 바라보는 시각을 바꾸기도 하나요?
A: 제 관점에서 솔로 작업은 더 수월하고, 협업은 더 어렵습니다. 협업이 항상 음악적인 흥미에서 비롯되는 것은 아닙니다. 때로는 각자의 역량을 넘어 정상에 오르려는 계산에서 시작되기도 합니다. 그러면 창작 과정은 대체로 길어지게 됩니다.
공동 작업은 관점들의 합의입니다. 상대방의 말에 귀를 기울이고, 그의 논리를 이해하며, 우리의 아이디어가 만날 수 있는 지점을 찾아야 합니다. 때로는 그것이 쉽지 않지만, 바로 그런 순간에 음악에 대한 새로운 접근법을 발견하고, 자신의 창작을 다른 눈으로 바라보게 됩니다.
J: 보통 어디서, 어떻게 음악 작업을 하시나요? 빠질 수 없는 특별한 루틴이나 애용하는 악기가 있나요?
A: 주로 집에서 작업합니다. 오래전부터 그런 방식이 자리를 잡았습니다. 저는 언제나 음악과 일상적인 가정생활을 함께 엮고 싶었고, 모든 것에 시간을 충분히 쓸 수 있길 바랐습니다. 특별한 루틴은 없습니다. 가장 중요한 건 몰입(flow) 상태를 포착하고 작업을 시작하는 것입니다.
물론 주변이 깔끔하고 방해받지 않는 환경을 좋아하긴 합니다. 하지만 요즘은 그것에 너무 집착하지 않으려 하고, 사탕 포장지와 차 머그잔들이 쌓여 있어도 편안하게 작업할 수 있습니다.
악기로는 Roland JDXi 신시사이저를 자주 씁니다. 몇 년 전 마샤 쇼스타코비치가 선물해 준 그루브박스입니다. 기본적인 음색 팔레트와 편리한 리듬 시퀀서가 갖춰져 있어 빠르게 음악 스케치를 만들기에 최적입니다.
또 다른 애용 악기는 Elektron Syntakt입니다. JDXi보다 더 유연한 세팅이 가능하고, 시퀀서가 매우 편리한데 — 제가 좋아하는 DAW인 FL Studio의 논리와 어딘가 닮아 있습니다. Syntakt에서는 음악을 완전히 키보드만으로 만들 수 있고, 터치패드나 마우스가 필요 없습니다.
J: 요즘 무엇이 당신에게 영감을 주나요? 음악이든 시각예술이든 문학이든, 혹은 개인적인 경험이든. 그 영향들이 당신의 사운드에 어떻게 스며드나요?
A: 영감은 곧 당신의 건강입니다. 건강하면 필요한 과정들이 머지않아 자연스럽게 맞물립니다. 뇌와 시간이 모든 것을 서서히 소화해서 어느 순간 올바른 충동을 내보냅니다. 이것이 어떻게 작동하는지 저 스스로도 놀랄 때가 있습니다. 가장 중요한 것은 자기 몸과의 연결을 찾고, 해결책을 모색하는 것입니다.
J: 당신의 라이브 공연은 매우 에너제틱하고 댄서블하지만, 가사는 종종 깊고 사색적입니다. 청중이 당신의 음악을 어떻게 들을지 — 혼자 헤드폰으로, 혹은 공연장의 군중 속에서 — 를 의식하며 음악을 만드시나요?
A: 저는 항상 제가 만드는 음악이 울려 퍼질 분위기를 생각합니다. 그 음악이 살아갈 공간과 상태를 상상하는 것이 저에게 중요합니다 — 공연이든, 헤드폰으로 듣는 개인적인 청취든. 저 역시 자주 제 트랙을 다시 들으면서, 그것이 특정 순간이나 기분과 얼마나 딱 들어맞는지 스스로 놀랄 때가 있습니다.
J: 당신의 프로덕션은 매우 독특한 스타일을 갖고 있습니다 — 단순함(lo-fi 미학)과 음악적 밀도 사이의 균형이라고 할까요. 트랙 안에서 레이어와 텍스처를 만드는 데 어떻게 접근하나요? 무엇을 더하고 무엇을 덜어낼지 결정하는 기준은 무엇인가요?
A: 핵심적인 역할을 하는 것은 내면의 미학과 개인적인 취향입니다. 하지만 아마 가장 중요한 것은 단련된 귀일 것입니다. 트럼펫을 배울 때, 소리가 전혀 마음에 들지 않는 아주 초기 단계를 통과해야 합니다. 하지만 인내와 연습을 통해 점차 올바른 음정을 찾게 되고, 소리를 더 잘 느끼기 시작합니다.
J: 음악을 하지 않을 때 무엇을 즐기시나요? 어떻게 힘을 회복하나요? ‘재충전’에 도움이 되는 루틴이 있다면요?
A: 가장 자주 하는 것은 공원 산책입니다. 적어도 일주일에 한 번은 하려고 노력합니다. 그런 산책이 속도를 조금 늦추고 내면의 균형을 되찾는 데 도움이 됩니다. 아침저녁으로 체조를 합니다. 땅에 발 딛는 느낌을 되찾고 하루의 긴장을 풀기 위해서입니다. 보통 앰비언트 음악을 들으면서 운동합니다.
앰비언트는 내면 세계와 무한한 것에 다시 연결되는 가장 좋은 방법 중 하나입니다.
J: 앞으로 어떤 음악을 만들어 가고 싶으신가요? 탐구하고 싶은 새로운 음악적 영역이 있다면요?
A: 저는 협업을 꿈꿉니다. 다양한 시도를 좋아하고, 장르에서 장르로 자주 이동합니다. 스스로에게 창작적인 챌린지를 던지고 그것이 어디로 이어지는지 확인하는 것을 즐깁니다. 때로는 모든 아이디어를 끝까지 완성하지 못하기도 합니다 — 동시에 모든 생각에 충분한 주의를 기울이기가 쉽지 않으니까요.
A: 새로운 협업을 꿈꾸면서도, 음악 안에 제 개인적인 공간이 많다는 것을 자주 느낍니다 — 저의 ‘물’(흐름), 저의 기분. 아마도 저에게는 이 내면의 충동을 잃지 않고, 계속해서 새로운 형태를 찾아가는 것이 중요한 것 같습니다. 저는 음악이 가진 기술성과 테크니컬한 면을 사랑합니다. 거기에는 무한한 실험의 장이 있고, 그렇기 때문에 진심으로 음악에 관심 있는 사람들에게 음악은 결코 지루해지지 않을 것입니다.
J: 저희 프로젝트의 핵심이 국경을 넘어 창작자들을 연결하는 것인 만큼, 다음 인터뷰 대상으로 누구를 추천하시겠어요
A: 존경하는 아티스트라면 누구든 좋습니다. 한때 저는 보리스 그레벤시코프(Boris Grebenshchikov)와 밴드 Dedushki의 음악과 관련된 프로젝트에 참여했습니다. Dedushki는 1990년대의 전자음악 프로젝트입니다. 그들의 음악은 에너지 면에서 The Prodigy와 조금 닮아 있었지만, 이 밴드는 상당히 저평가된 채로, 제 생각에는 아직 충분히 탐구되지 않은 채로 남아 있습니다.
더 현대적인 씬에서는 아티스트 Yilberking을 매우 좋아합니다. 그에게는 진짜 그루브의 바다와 매우 감각적이고 생동감 넘치는 에너지가 있습니다.
러시아 현대 씬에서 주목할 아티스트를 꼽자면, Конец солнечных дней를 추천합니다. 그들의 음악에는 록과 재즈의 요소가 흥미롭게 결합되어 있고, 여러분의 취향에도 잘 맞을 것 같습니다.
J: 음악 창작에서 “내면의 미학과 개인적인 취향”이 핵심적인 역할을 한다고 하셨습니다. 한국에서 ‘취향’이 큰 화두입니다. 알고리즘과 큐레이션을 통해, 취향을 단순히 ‘소비’하는 현상도 생겨났어요. 발견하는 게 아니라, 완성된 취향을 받아오는 것이죠. 취향이란 어떻게 생겨나는 것이라고 생각하시나요? 그리고 본인의 취향은 어떻게 찾으셨나요?
A: 감사합니다, 좋은 질문이에요. 저는 취향이 춤, 퍼포먼스, 노래, 강렬한 감정들 — 여행, 그리고 음악을 반복해서 듣고 탐구하는 과정을 통해 형성된다고 생각합니다. 또한 자신이 속한 환경의 민족적 층위와 음악적 역사에도 크게 좌우됩니다. 세상의 모든 곳에는 저마다의 역사가 있고, 그것이 감수성에 깊은 영향을 미칩니다. 그리고 우리는 때로 우리 주변에서 당연하게 여겨지는 취향의 출발점조차 인식하지 못하기도 합니다.
J: 새로운 협업을 꿈꾸신다고 하셨고, 7년 전 서울에 오신 적도 있다고 하셨습니다. 한국 아티스트와의 협업에도 마음이 열려 있으신가요? 그리고 장르를 불문하고, 한국 씬에서 눈길을 끄는 아티스트가 있었나요?
A: 네, 함께 무언가 만들어보고 싶습니다. 저는 박혜진(Park Hye Jin)의 음악을 즐겨 듣는데요, 그녀는 정말 흥미로운 음악을 하고 있고, 보컬이 특히 마음에 듭니다.
Представьтесь, пожалуйста, нашим корейским читателям. Что для Вас значит имя «Antoha MC» сегодня, и как оно отражает Вашу творческую идентичность?
Доброго дня или вечера, дорогие и уважаемые жители Южной Кореи. Приятно познакомиться. Впервые в жизни у меня есть возможность пообщаться с вами, рассказать о себе, поделиться музыкальными мыслями и тем чувством звука, которое живёт в столице России — Москве. Хочу отметить, что семь лет назад я уже был в Сеуле и участвовал в городском фестивале: концерты проходили в разных клубах по всему городу, и в одном из них мне посчастливилось выступить. С моим творчеством можно познакомиться под псевдонимом Antoha MC. Antoha (Антоха) — это простое, разговорное произношение моего имени Anton (Антон). Окончание «ha» добавляет лёгкости и дружелюбия в общении. «MC» — это master of ceremonies, человек, который ведёт музыкальные церемонии: концерты, выступления, шоу. Моя творческая идентичность складывается из авторской музыки и лирики, из работы с голосом, игры на трубе и танца. Всё это — способы говорить с людьми на одном языке через звук и движение.
Ваш звук часто описывают как «теплый» и «домашний» — смесь хип-хоп грува с очень личной, искренней подачей. Как Вы пришли к этому уникальному почерку? Какие ранние влияния сформировали Ваш подход?
Интерес к музыке у меня появился с самого детства. Уже в восемь лет я любил слушать музыку в больших наушниках моего отца — это производило на меня очень сильное впечатление. Музыка тогда была частью разных моих увлечений: я рисовал, играл в компьютерные игры (одна из любимых — Doom, а лучший саундтрек, на мой взгляд, был у игры БГ: Dedushki), а ещё отец научил меня работать в программе Photoshop. Я мог часами сидеть за компьютером, что-то делать, рисовать и параллельно слушать музыку. Интерес к хип-хопу и груву во многом пришёл через танец. Большим открытием для меня тогда стал оргалит — строительные листы, на которых обувь начинает отлично скользить. Я раскладывал такие листы в комнате родителей и пытался научиться брейк-дансу: стоять на голове, вращаться на одной руке. Наверное, именно из этих впечатлений — музыки, движения, игр, визуальной среды постепенно и сложилось то звучание, которое сегодня называют «тёплым» и «домашним». Для меня это просто естественный способ передавать эмоции через звук.
Вы работаете и как сольный артист, и в коллаборациях. Чем отличается Ваш творческий процесс в этих двух случаях? Меняет ли совместная работа Ваш взгляд на собственную музыку?
Сольно проще, а коллаборации труднее, на мой взгляд. Не всегда коллаборации имеют музыкальный интерес, порой совместная песня имеет замысел взлета на вершину сверх возможностей. Творческий процесс таким образом чаще всего затягивается. Совместная работа это консенсус взглядов. Нужно услышать другого человека, понять его логику и найти точку, где наши идеи могут соединиться. Иногда это непросто, но именно в такие моменты можно открыть для себя новые подходы к музыке и по-другому посмотреть на собственное творчество.
Где и как Вы обычно работаете над музыкой? Есть ли у Вас какие-то особые ритуалы или любимые инструменты (например, труба или определенный семплер), без которых Вы не можете обойтись?
В основном я работаю дома, так процесс сложился уже давно. Мне всегда хотелось совмещать музыку с обычной домашней жизнью, чтобы на всё хватало времени. Особых ритуалов у меня нет. Главное поймать состояние потока и начать работать. Хотя, конечно, я люблю, когда вокруг чисто и ничто не отвлекает. Но в последнее время стараюсь не зацикливаться на этом и спокойно могу работать среди фантиков и груды чайных кружек. Из инструментов часто использую синтезатор Roland JDXi — это грувбокс, который много лет назад подарила мне Маша Шостакович. В нём есть всё, чтобы быстро сделать музыкальный скетч: базовая палитра звуков, удобный ритм-секвенсор. Ещё один любимый инструмент — Elektron Syntakt. У него больше гибкости в настройках, чем у JDXi, и очень удобный секвенсор, чем-то напоминающий логику моей любимой программы FL Studio. На Syntakt музыка создаётся полностью с клавиатуры, никакого тачпада и мышки.
Что Вас вдохновляет в последнее время? Это может быть музыка, визуальное искусство, литература или просто личный опыт. Как эти влияния проникают в Ваш звук?
Вдохновение – это ваше здоровье. Будь здоров и нужные процессы склеются за ближайшие сроки. Мозг и время всё постепенно перерабатывают и в какой-то момент дают правильные импульсы. Иногда я сам удивляюсь тому, как это работает. Главное найти контакт со своим телом и искать решения.
Ваши живые выступления очень энергичные и танцевальные, но тексты часто глубокие и созерцательные. Вы думаете о том, как люди будут слушать Вашу музыку — в одиночестве в наушниках или в толпе на концерте?
Думаю всегда об атмосфере, в которой может прозвучать музыка, которую я сочиняю. Для меня важно представить пространство и состояние, в котором она будет жить — будь то концерт или личное прослушивание в наушниках. Я и сам часто слушаю свои треки и иногда удивляюсь тому, как они совпадают с конкретным моментом или настроением.
У Вашего продакшна очень узнаваемый стиль — баланс между простотой (lo-fi эстетикой) и музыкальной насыщенностью. Как Вы подходите к созданию слоев и текстуры в треках? Что помогает решить, что добавить, а что убрать?
Ключевую роль играют внутренняя эстетика и личные предпочтения. Но, пожалуй, самое важное — это выстроенный слух. Когда учишься играть на трубе, приходится проходить через самый начальный этап, когда звуки совсем не радуют. Но благодаря терпению и практике постепенно находишь правильный строй и начинаешь лучше чувствовать звук.
Вы говорите, что в создании музыки ключевую роль играют «внутренняя эстетика и личные предпочтения». В Корее сейчас много говорят о понятии «취향» — вкусе, предпочтениях. Но есть ощущение, что это слово постепенно превращается в нечто вроде тренда: люди не столько находят свой вкус сами, сколько получают его уже готовым — через алгоритмы, кураторов, рекомендации. Вкус становится продуктом, который можно потребить. Думали ли Вы когда-нибудь о том, как человек по-настоящему находит свой вкус? И как Вы сами его нашли?
Спасибо, отличный вопрос. Я думаю, что вкус формируется посредством танца, исполнения (пения), сильных эмоций — путешествий, а также благодаря многочисленному прослушиванию и изучению музыки. Очень многое зависит от национального пласта и музыкальной истории той среды, в которой ты находишься. В каждом уголке мира — своя история, которая сильно влияет на восприятие. И порой мы даже не осознаём исходную точку общепринятого вкуса нашего окружения.
Что Вы любите делать, когда не занимаетесь музыкой? Как Вы восстанавливаете силы? Есть ли у Вас практики, которые помогают «перезагрузиться»?
Чаще всего я просто гуляю в парке, стараюсь делать это хотя бы раз в неделю. Такие прогулки помогают немного замедлиться и восстановить внутренний баланс. Утром и вечером я делаю гимнастику. Она помогает мне заземлиться и снять напряжение после рабочего дня. Обычно я совмещаю упражнения с прослушиванием музыки в жанре ambient. Ambient — это один из лучших способов воссоединиться с внутренним миром и бесконечным.
Какую музыку Вы видите себя создающим в будущем? Есть ли новые звуковые территории, которые Вы хотите исследовать?
Я мечтаю о коллаборациях. Я люблю пробовать разное, меня часто мотает из стиля в стиль. Мне нравится ставить себе творческие челленджи и проверять, куда они могут привести. Иногда не всё получается довести до конца, просто не всегда хватает внимания на все идеи сразу. Мечтаю о новых коллаборациях. При этом часто ловлю себя на том, что в музыке много моего личного пространства — моей «воды», моего настроения. Наверное, мне важно не потерять этот внутренний импульс и продолжать искать новые формы. Я люблю музыку за её технологичность и техничность. В этом есть бесконечное поле для экспериментов, и именно поэтому музыка никогда не наскучит людям, которые по-настоящему ею интересуются.
Вы мечтаете о новых коллаборациях и упоминаете, что семь лет назад уже были в Сеуле. Открыты ли Вы к сотрудничеству с корейскими артистами? И есть ли кто-то из корейской сцены, кто привлёк Ваше внимание — неважно, в каком жанре?
Да, мне было бы интересно сделать что-то совместно. Я слушаю Park Hye Jin — она делает очень интересную музыку, и её вокал мне очень симпатичен.
Так как суть нашего проекта — связь творцов через границы, кого бы Вы порекомендовали нам для следующего интервью? Это может быть любой артист, чьими работами Вы восхищаетесь.
Когда-то я участвовал в проекте, связанном с музыкой Boris Grebenshchikov и группы Dedushki. Dedushki — это электронный проект 1990-х годов. Их музыка по энергии немного напоминала The Prodigy, но при этом группа осталась довольно недооценённой и, на мой взгляд, до конца не исследованной. Из более современной сцены мне очень нравится артист Yilberking. У него настоящий океан грува и очень чувственная, живая энергия. А если говорить о российской современной сцене, я бы посоветовал обратить внимание на группу Конец солнечных дней. В их музыке интересно сочетаются элементы рока и джаза, и мне кажется, что вам это может по-настоящему понравится.